什么是极少主义雕塑艺术？

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　　雕塑的革命分为几个阶段，第一阶段同时也是最重要的阶段是以两个艺术家的作品为代表的：美国人戴维·史密斯（David Smith）和英国人安东尼·卡罗（Anthony Caro），他们也成为通向极少主义的重要连结点。戴维·史密斯生于1906年，20年代中期移居纽约并当了画家。他早年曾与德库宁（William De Kooning）有来往，因此他的发展与抽象表现主义艺术家有相同之处。30年代初，他放弃绘画开始创作雕塑。但他并不认为这是多大的转变，因为在他看来，除了空间维度这一因素外，绘画和雕塑从来都不是分离的。作品‖哈德逊河风景‖（图1）像是用金属做的线描，尽管雕塑是以二维平面构成的，但透过镂空的空间看那自然的风景时，作品便带出了无穷的深度和色彩的运动。这段时期戴维·史密斯创作的一系列东西都与风景相关（图2，图3），这批作品大大打破了传统雕塑的规矩，其镂空的开放性预示着新的发展可能。

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　　戴维·史密斯最重要的技巧是焊接（图4），这来自于两方面的原因：一是20年代中期他曾在印第安那州南湾的一家工厂工作，掌握了相当丰富的焊接经验；二次大战期间，他还在申尼克塔底的美国机车公司重操旧业。另一个原因是他对毕加索和朱利·冈查列兹的焊接雕塑十分仰慕（图5）。与之不同的是，自50年代以来，戴维·史密斯在风格和处理上都更加带有工业色彩，工业技术为他提供了具有独特个性的语言。在1952-53年创作的‖战车图腾‖和‖罗马大将阿古利可拉‖系列作品中，他开始使用现成的工业部件。他发现通过使用工业部件，可以轻易而迅速地创作大型雕塑。1962年史密斯应意大利安布利亚的斯波列托艺术节组委会的邀请，在罗马住了一个月。在一间由旧工厂改成的工作室里，他在三十天内创作了二十六件雕塑，而且其中许多都是大型作品。在最后一个阶段的创作中，史密斯的风格越来越抽象。在一系列大型作品‖zig‖和‖立方体‖（图6、图7）中，艺术家运用立方体和圆柱体来改造建筑般具有观念性的宏大作品。此外，史密斯还十分注重雕塑表面的光泽效果，时而采用抛光的不锈钢，时而选择磨得有些发毛的材料；有时给作品着色，有时只是略施一层清漆。

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　　安东尼·卡罗被称作史密斯的继承人。1959年卡罗在访问美国期间结识了肯尼思·诺兰（Kenneth Noland）、莫里斯·路易斯和雕塑家戴维·史密斯，这种接触成为一种催化剂，促使他在他的艺术创作中做出决定性的重大转变。"我意识到抛弃历史并不会有什么损失……美国人让我看到没有障碍和规矩……当了解到雕塑或绘画的唯一限制是，是否它实现了自己的意图，而不是是否它是'艺术'时，你会感到极大的自由。"他认为自己在60年代作品的变化是他"努力消除与石膏和粘土相关的任何形式的作品"的结果。他开始用大梁和铁片创作。同时，他与史密斯的区别也是明显的。与史密斯的作品不同的是，卡罗的作品通常是平摊的，既占据空间，又占地面（图8）。雕塑的底座取消了，每件雕塑都占很大一块地盘，因而对观众而言比传统的雕塑更为直接。史密斯的雕塑常常

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置于空旷之中，而卡罗则偏爱庭院空间。作品的尺度及其开放性将观众带入一个色彩与空间的世界。他的大部分作品都涂成单一的色调，而且有意选择使人无法判断质感和轻重的颜色（图9）。卡罗认为自己上色时为了让作品看起来更直接：没有艺术的意图，没有思乡的情怀，没有与某物的明显可感的情感。在他的手里，坚硬的材料却有惊人的柔软之感。有人认为他的作品多少有些具象的意味，其匍匐的雕塑从某种角度看上去，就象是摩尔的巨大的女人体被剥了皮之后剩下的骨架。

　　卡罗还在圣马丁艺术学校任教，这对英国年轻一代的雕塑家产生了不小的影响。这些艺术家大部分是在1965年的"1965：新的一代"展览中崭露头角的，其中有英国极少主义雕塑家的杰出代表菲利普·金（Phillip King）和威廉·塔克（William Tucker）。

　

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　　和安东尼·卡罗一样，菲利普·金不满于50年代表达性和人像式的雕塑，与60年代的新美国绘画相呼应，他对自己的雕塑创作进行了变革性的实践。1960年他参观了德国的卡塞尔文献展，当时受到了很大的震动。"展出的雕塑充满着一种战后情绪，一种扭曲了的情绪。……与美国绘画的对比是十分重要的，……美国的作品是充满希望和乐观的，大尺度而少内涵。"1962年，金开始用玻璃纤维或金属板制作彩色雕塑，并开始着手作一系列锥形雕塑。这段时期，金曾说他想做正规的结构，因为它可以表达能量和生命活力。"将锥形作为一种巨大而与大地紧紧相连的形状来使用，可以产生一种对扩张效果的最大挑战。"在‖然后鸟儿开始歌唱‖（图10）中，"外锥沉稳的宁静淹没在内锥内部充满动力的活力中"，鲜艳的桔红与黑色之间的对比产生了一种颤动感，使内部产生活力。两个内部摇动歪斜的锥形产生的律动感也加强了这一效果。最里面的锥形实际上是歪斜放置的，另两个锥形则是通过开口的不平稳而产生歪斜感。两种色彩的对比给人产生一种有五个圆锥的印象。金的形状一眼看去如此简洁，但在脑海中的形象则富于内涵和感情的力量，十分简洁的几何形似乎被赋予了生命。

　　在材料的选择上，金更中意色彩鲜艳的玻璃钢。鲜艳的色彩生产动感可以强调形状的运动感，色彩与形式的相互影响使得作品充满活力。选择这样的材料，其中的含义十分有趣：塑料是人造的，可以使它具有任何性质，它可以染成任何颜色；它与强调"材料真实性"那个时代的木头和石头都大不相同；它也不带有工字钢和钢片的那种工业味，如果说塑料有什么含义的话，那就是意味着一种文化，一种其中的一切都可随意使用的文化，一种只是与展览活动相联系而不与永恒事物相关的文化。

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　　塔克作品的特点也反映出当时一部分艺术家的倾向，即这些人的雕塑作品几乎都是趴在地上的，作品放置在视平线以下。他的‖四部分的雕塑‖是四个大而洁白无暇的圆柱体边靠边地躺在地上。‖孟斐斯城‖（图11）也是如此。朝着这个方向更极端发展的是戴维·霍尔（David Hall）。他的雕塑是一些只有脚背高的金属板，作品*使人觉得另有一块地面悬浮在真正的地面之上，而其形状给人一种与房间的真实透视相冲突的透视感。

　　在美国也活跃着一批极少主义雕塑家。首先要提到的是当过建筑师的托尼·史密斯（Tony Smith）。他生于1912年，在弗兰克·劳埃德·赖特建筑设计所当过学徒。自1940年到1960年的二十年间，他积累了建筑方面的许多实践经验。直至1960年，他才真正开始他的雕塑生涯。之所以有这样的改变，是因为他无法再忍受建筑的不纯粹，设计师总是在人们的使用和需要的压力下不断妥协而改变设计。

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　　史密斯认为他自己的雕塑"是连续性空间坐标的组成部分，在这空间坐标中，虚空与实体由同样的成分构成。由此观之，雕塑可以看作是原来连绵不绝空间的中断，你如果把空间看成是实体，雕塑作品就是实体中的虚空部分。而我希望它们又有形体又有外观存在。我并不把雕塑看成是其他物体中的一件物体；我把它看成是隔绝在自己环境之中的存在。"做建筑师的二十年生涯的痕迹，无疑会反映在他的雕塑作品中。这些作品常常是由长方形盒子拼在一起组成，有时候也使用各种各样的四面体（图12）。如‖游戏场‖（图13）的造型令人回响起泥砖墙砌的老式建筑。

　　托尼·史密斯的创作方式也是60年代以来艺术观念发生变革的结果。他有时并不事先构思作品，更不会设计模型，而是象波普艺术家那样，随意地以现成品作为灵感的来源，其目的恐怕是要清楚雕塑的表达性。例如，创作‖墨盒‖便是一次偶然。他在朋友家的书桌上看到一个索引卡盒子之后，盒子的形状就在他的脑中萦绕，于是史密斯第二天一早就打电话给朋友，询问盒子的尺寸。然后他把尺寸放大了五倍，画好图纸后拿到一家焊接公司让他们制造，作品就这样诞生了。

　　在强调材料、形式的单纯性上，唐纳德·贾德（Donald Judd）是最为充满Ji情的拥护者。他认为："一个形状、一种体积、一种色彩和一个平面就是指它本身。我们不应该把它们表现为某个相当不同的整体的一个部分。形状和材料不应为内容的牵强附会所改变。一只箱子或排成一行的四只箱子，任何单个的物体或一个系列都有它们的安置顺序，都是一种排列，仅仅是顺序而已。这一系列是我的或是别人的，当然这不是指一些更大的秩序。一般说来，它与秩序或非秩序毫无关系。有秩序、无秩序都是事实。四个一组或六个一组不会改变镀锌的铁、钢或者任何其他制做箱子的材料。""物质就是单纯的物质，胶木、铝、硬硬的卷起来的钢材、树脂玻璃、红的和普通的铜等等，它们都是很特殊的。如果把它们直接拿来用，它们就更为特殊。它们通常是很积极的……大部分的新材料很难像画布接受油彩那样好接受，它们很难和另一种东西产生联系。""艺术是不涉及任何东西的……它是它自己。"贾德的代表作品的确体现了这一理念。

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　　卡尔·安德烈（Carl Andre）则是从人与自然的关系上，选择了单纯、原本的形式。这里所说的自然除了指自然界/环境，还指事物原本的状态。虽然在贾德那里已经在强调事物的本身，但还是抓住人们的视线，而安德烈甚至要消除这种人为的引人注目。在材料的选择上，他避免使用光洁可人的材料，而是采用朴实的砖块、枕木、原色的铁板等，而且只保留其没有光泽和悦目的色彩的本色（图15）。起先他还对材料进行一些雕琢，到后来干脆连这一点点的修饰也放弃了。他所做的只是把材料摆成一定的形态。作品常常是铺在地面上，因为他说："我喜欢的作品是这样的，它和你共处一室，但不来妨碍你，你想忽视它们就可以忽视它们。"（图16，图17）（注：笔者在参观蓬皮杜艺术中心时，走在光洁的大理石地面上浏览墙上悬挂的作品时，突然感到脚下似乎有金属，一看，才发觉自己已经站在了安德烈的作品上，就是著名的144块正方形铝片。）在‖木材‖中，他把枕木在树林里铺成一条线，就象进入树林的一条小路。艺术成为自然的一部分，人们很难觉察。安德烈认为他的作品的意义不超过一棵树，一块石头，一座山，一片海对于人们的意义。他希望自己的作品象自然物一样存在，可以在自然的情况下自然地消逝。这种无为的思想对于中国人来说并不陌生，事实上他读过《道德经》，对于其"有之以为利，无之以为用"的思想十分推崇，还做过以"道"为题的作品。