渔港是我一辈子画不完的风景

　　叶国丰，1965年生于浙江象山，1989年毕业于中国美术学院美术教育系。现任浙江商业职业技术学院　　艺术设计学院院长、教授，中国美术家协会会员、浙江省美术家协会理事。作品入选第八、九、十届全国美展和第九届中国艺术节优秀美术作品展，多次入选国内外各类美术作品展览并获各级奖项。2006年分别在浙江展览馆和美国洛杉矶BGH画廊举办个展，出版《远方——叶国丰油画作品集》、《境域——叶国丰作品2007-2010》个人专集。

　　2011年10月28日至11月13日，“境域——叶国丰抽象艺术展”在宁波美术馆展出。

□采访人：陈晓旻

□被采访人：叶国丰

　　陈晓旻： 叶教授， 知道您是象山人， 这次回到家乡办画展，取名为“境域”有什么特别的意义吗？

　　叶国丰： 这次“境域”是我对上次2006年在美国洛杉矶取名为“ 远方” 的展览的延续。当时的计划是三年做一个展览， 也很早就接到了宁波美术馆的邀请， 但一方面是因为自己忙于工作， 另一方面大概所谓的“近乡情更怯”， 总是觉得没有准备好， 希望能把自己最精彩的作品带回宁波，向家乡的父老乡亲汇报。

　　取名为“境域”是因为觉得这个词很有场景感， 或者说有气场， 既可以是地域的疆域， 又可以是心境的疆域，它是个无边际的疆域， 有着很远很空灵的空间感。在词义上也比较符合抽象画的特性， 我希望这个系列的展览可以连续做下去，希望自己的艺术空间有更高更深的拓展。

　　陈晓旻：您特别擅长海和山的题材，从小在象山长大的经历对此的影响有多大？

　　叶国丰： 我从小出生和生活在象山的南田岛， 那是一个大的海岛， 它的对岸就是石浦渔港。小时候， 交通特别不方便， 坐船大概需要半个小时的时间。童年的记忆中，石浦港就是个大地方， 是个很让人向往的地方， 但我们去的机会很少。后来我念中学后开始学画画， 终于有了机会经常去石浦。每个周末， 我总是从石浦港坐船回南田岛。一到台风来的时候， 各种各样的船都进来避风雨， 渔港尤其显得热闹。

　　可以说， 在我的视觉和心灵上， 石浦港的位置非常重要， 感情至深， 渔港也是我一辈子画不完的风景： 它的气息、船的造型、渔民形象、各种劳动场景等。感受最深的大概是船的变化， 随着经济发展， 渔船从原来的木船帆船逐渐更新成了钢制船。渔船的大场景也是最难画的， 复杂、现场凌乱， 要画好它确实需要动用我所有的知识、艺术功底和智慧。我曾经入选过第八、第九、第十届全国美展的作品， 跨度十几年， 但画的都是海港。我知道海港在变， 随着时代的发展， 它也充满了生机和活力。直到现在我还是在持续地感受着石浦渔港的变化， 采集和积累各种素材，我也依然会画这个题材。

　　如果要说出身经历对于我画山和海的影响， 也许从小看惯了海天一色的远景和大场景， 在审美上， 我偏爱画大山大水，很有气势的那种。

　　陈晓旻： 您原来是画具象画， 是什么契机促使您从具象到抽象的转换？

　　叶国丰： 准确地说， 我的作品是抽象表现。当年我们接受教育的时候， 国内主要是具象， 甚至很多人不知道还有抽象艺术这个概念。传统的中国画也是以写实为主。真正开始思考艺术的本源是从上个世纪八九十年代开始的。艺术是什么？艺术到底追求什么？其实， 艺术还是要表现个性， 表现画家自身独有的思考和创造。从我个人感受来说， 写实更多的是一种再现， 它进入不了内心， 只有表现才会让我Ji动， 才能把我心灵深处一些微妙的东西表达出来。我真正开始转向是在七八年前， 但这是长期思考和实践的自然转型。

　　陈晓旻：抽象更适合表达情绪、表达精神的力量。任何艺术达到一定境界，都通向哲学层面的思考，所以，画家往往从写实出发落根到抽象。

　　叶国丰：是的。如果说前期是情绪的表达，用点线面来表现和渲染各种情绪，那么之后是要表达对社会、自然的批判和反思这些深层的东西，包括最终的哲学追求。这些也是我一直在思考的内容。

　　如果不带有思考，那只是简单的重复和技巧的锻炼。我在创作中努力尝试把中国元素和人文的东西与抽象的方式相结合：比如让油画的材料显得更加滋润，使之有宣纸上作画的渗透感；在结构布局上运用中国画的章法，尽量达到文化和审美上的平衡。

　　陈晓旻：那么，什么样的当代艺术才称得上好的艺术？如何读懂它？

　　叶国丰：首先，我认为要澄清一个概念，我的绘画其实不是一般理解的“当代艺术”，主要还是带有意象的抽象表现，绘画的本质还是视觉和心灵的感受，表达的是韵律和诗意的东西，非常唯美，这目前是很容易被接受的。纯粹的“当代艺术”则是一种艺术态度，往往不讲求绘画的特质，更多的是一种图像式的，形式和内容上带有反叛和批判性的，可以突破一切框架。

　　不管想要看懂什么艺术，首先都需要视觉的经验，经常去看看好的画展，或者接受些艺术上的熏陶，尤其应该让孩子从小多一些艺术的审美教育，有了引导自然就会提高他们的艺术修养，培养起这方面的爱好，潜移默化中，也就能够看懂各种艺术了，艺术都是相通的。当然，看同一幅作品，每个人不同的年龄、修养、审美和不同的心情、个性都会影响到他对作品的感受。

　　陈晓旻：艺术批评家栗宪庭说中国的当代艺术是“西方拼盘里的一道春卷”。您认为中国当代艺术的价值标准是什么？

　　叶国丰：中国当代艺术的发展脉络可以归纳为两个：上世纪90年代之前中国现、当代艺术主要是建立在对西方的学习借鉴的基础上，对中国文化的相关元素进行改造吸收，但其理念核心是站在西方立场上的；上世纪90年代后期，出现了新的变化，我们正在逐渐形成自己的东西，一些优秀的艺术家通过有价值、有意义的实践形成一种趋势：以中国的历史文脉表达当代情境。

　　所以，我觉得当代艺术需要体现的是中国本土新人文主义的价值观，既有中国文化根脉又有全球当代视野的艺术。对此还是要确立文化自信、重返笔墨精髓，重建中国画的价值评判系统及其与人格的紧密关联，这些都是当下中国画面对的最重要课题，也是合理的发展路径。

　　当代艺术价值判断出现问题的原因：第一，中国的艺术太受制于资本运作方式；第二，中国当代艺术在发展的过程中缺乏对文化和艺术的深入研究，尤其是对今天文化艺术跨学科的变化没有深入研究；第三，当代艺术在呈现的方式过程中缺乏对专业知识的认识。

　　陈晓旻：您是艺术设计学院院长，还身兼浙江省创意设计协会理事等职务，现在创意设计是个热词，您如何看待中国创意产业的现状？

　　叶国丰：我们国家正在努力倡导，推出了很多的扶持政策和其他各种有力度的支持。目前的现状是，我们最缺的依然是创新能力。乔布斯的例子已经证明创新的价值可以超越一切，甚至改变一切。创新也是国家发展的原动力。

　　我是个画家，但更是艺术设计的教育者，直到现在我还坚持自己参与教学，只有在第一线才能真正了解我们的学生，也了解这个行业现状。现在一方面企业缺少好的创意和优秀的人才，缺少自己的创新品牌，而学校里有些老师的作品很好，但是缺少运作和市场投入，这需要引导，也需要循序渐进的过程。其实日本早在上个世纪70年代搞过一个“造型革命”，是个阶段式的设计革命，非常成功，值得我们借鉴。他们几乎所有的器物设计都跟文化有关，在强调功能性的同时，造型设计一定是非常注重人性的，这是很值得我们思考的。