设计是21世纪视觉文化的核心_027ART设计

    作为全球最主要的媒体和音乐的产业中心，作为拥有深厚设计传统文化背景的商业中心，伦敦成为全球设计工业和艺术的重镇是顺理成章的事情。因此，近段日子在伦敦东区巴比坎（Barbican）艺术中心举办的大型设计回顾展———“传播：英国六十年代以来的独立平面设计”就成为本年度全球设计界最令人瞩目的活动之一。

    设计才是21世纪视觉文化的核心

     这是第一个全面探索英国平面设计发展状况的重要展览，并计划在全球巡回展出。本次展览的策展人是著名设计评论家和作家RickPoynor。他是设计行业非常有影响力的评论家，作为专业设计杂志《Eye》的创始人，他曾经为无数媒体撰稿，包括Blueprint，i-D、TheGuardian以及TheFinancialTimes等，并写下了《DesignWithoutBoundaries》、《Ty－pographica》、《ObeytheGiant:LifeintheImageWorld》和《NoMoreRules》等专业著作，这些书如今在亚马逊网站上都常年销售，给他本人带来了世界性的声誉。同时他还在欧美和澳大利亚的诸多著名大学包括哈佛、MIT等都开过设计讲座，还曾是SchoolofCommunication和伦敦皇家艺术学院的客座教授。

     对于整个设计行业的变化和走势，Rick多年来早已写下了无数文字，但这一次，这个四十年来的回顾展通过600多件代表性的展品来诠释了他的观点和态度———最好的设计作品总是超越商业化的。Rick还宣称：从唱片封套到道路标志，从海报到包装，平面设计和印刷已经深入了我们生活的每一个领域。忘掉绘画吧，如今设计才是21世纪视觉文化的核心。

     Rick一直强调最前卫出色的作品通常都是个人的创作，因此此次展览聚焦的都是那些小型独立设计工作室和设计团队，在过去的四十年中，他们创作了最具创意个性的，最富革新精神的杰出设计作品。“越是大的设计公司，越是向跨国公司客户妥协得更多。这种矛盾随处可见。”他的回答解释了这个展览的选择方式。

为英国平面设计设定新的方向

     展览追溯了英国现代平面设计以自己的方式发展起来的半个世纪，它代表了20世纪60年代以来英国平面设计的最高水平。顺着时间隧道，观众将清晰理解现代英国设计的起源和成长的方式，并如何在音乐、出版业、文化产业等领域的兴起与壮大。Rick认为：“平面设计也是一种媒介，它能够向社会提出反对意见。在今天这个设计时代，设计师们的自发探索和创作无论从社会学、文化还是商业的意义上都具有更大的影响力。”

     展览推出了100多名视觉设计传播专家，其中很多人早已在国际上享有盛誉。JohnSewell、RobinFior、KenGarland、RobertBrownjohn、MichaelEnglish、MartinSharp、KateHepburn、BarneyBubbles等人划时代的经典早期作品和当今前卫设计团队的作品并列在一起，正在为英国平面设计设定新的发展方向。

        Rick挑选出来的新锐设计者包括Pe－terSaville、NevilleBrody、WhynotAs－sociates、      DesignersRepublic、Tomato、Fuel、GraphicThoughtFacility、KerrNoble和Abake。他们的作品之所以大胆前卫就是因为他们坚持小型工作室的方式，唯有保持独立，才能沿着他们自己的个性之路发展。

分类体现了良苦用心

     展览构成充分体现了策展人对设计的认识和强调设计是传播媒介的良苦用心，因为分类就是定位。第一个类别是平面设计和出版业。在过去的四十年中，书籍和杂志出版为那些最有创新精神的平面设计作品提供了契机。从RomekMarber设计的前卫书籍封面到TerryJones为i-D杂志的设计、NevilleBrody设计的TheFace杂志，以及卫报（Guardian）在报纸、增刊和网站的设计。至于专业的设计类杂志更是极为齐全。

     第二类是平面设计和艺术。这些作品是平面设计师从艺术中汲取灵感，并和艺术家、建筑师、电影制片人、剧院以及文化机构合作的结晶。GeorgeMayhew、JohnSewell和RobertBrownjohn的20世纪60年代电影、剧院和展览海报；RichardHollis为Whitechapel美术馆设计的宣传海报和传单；CDT为英国国家歌剧院发起的影响深远的海报运动；WhynotAssociate为皇家学院设计的海报，State为享誉世界的Onedotzero电影节创作的宣传作品和动画作品等等。

    第三类是艺术和音乐。英国音乐的丰富多样使设计师在主流客户的约束下仍有极大的创作空间。从20世纪60年代的迷幻音乐，到80年代的新浪潮音乐、90年代的电子舞曲音乐，那些著名的专辑封套、海报以及流行影像作品藏起了设计师的名字，而我们却无比熟悉那些封套：披头士、Blur、MassiveAttack还有最新的酷玩乐队。

    第四类是网络设计部分。重点在充分发展的平面设计和新兴的网络设计领域之间的关系上。两者在某些方面十分相似，但在另一些方面却截然不同。推出的设计师包括：因为开拓性的DonnieDarko而成名的Hi-Res，因一个与电影有关的网站Dream而出名的Requiem，一流的设计团队还包括Friendchip、TheDesignersRe－public和Airside。

    第五类是探讨平面设计与政治和社会的联系。对一些设计者来说，社会责任和政治事务是极其重要的。RobinFior和KenGarland设计的60年代反核武器主题的经典海报，DavidKing反种族歧视的招贴以及RichardHollis为ANC设计的招贴。Garland在1964年的题为FirstThingsFirst的挑衅申明版本也被展示。JonathanBarnbrook的作品则是更模棱两可的当代抗议形式。LucienneRoberts为Break－throughBreastCancer设计的作品和John－sonBank为AngelDrugServices设计的海报和传单代表了关注社会这一设计主题的开始。

      第六部分是平面设计和视觉识别。这是如今我们熟悉的Logo标志的世界，都是英国生活中深入人心的一些视觉识别符号例子，如KenGarland为GaltToys设计的作品，JohnMcConnell为Biba设计的标志，WhynotAssociate为Next设计的产品目录，GraphicThoughtFacility为Habitat设计的标志，AlanAboud和时尚设计师PaulSmith长久的合作，还包括电视台Channel4和BBC2等的标志。

       最后是设计师们的自发创作作品。除了客户委托的项目，许多设计者现在关注的是使自己的作品成为“图形著作”的一种形式。比如JohnSewell在1960年的电影Everybody’sNobody,DavidKing的视觉史，AlanKitching的凸版印刷的Broad－sides以及NevilleBrody长期进行的Fuse字体设计。

   设计师要说服技术的无限繁殖

     平面设计的真正壮大应该是从20世纪60年代开始的。Rick通过展览给我们简述了设计的年代史：各种思潮融合到了一起，新文化和新媒介（比如摇滚乐）加上美国现代商业思想的蔓延，迅速刺Ji了平面设计的发展。在这次展览中不同的分类部分，你可以轻易地觉察出相同的时代思想特征。经过革命性的20年融合，到了80年代，前卫的视觉艺术终于主流化了，于是产品标志（Lo－go）这一高度商业化的符号就统治了所有领域。然后一些设计师和评论家开始分析现状，更多的开始批评，也开始警惕过度设计和过度商业化的现象。这次展览其实就表明了这样的态度，设计必须承载更多的社会责任。

     “在年轻杂志和前卫音乐片子里尝试的设计风格迅速变成了鞋子、软饮料和银行广告的材料。那时很多初出校门的年轻设计师们如今看起来极为雷同。沉湎于让广告看起来很酷，却不管它究竟在诉求什么，或者诉求的真实含义，那些设计师们的确相信仅仅形式上的创意就能改变本质和信息传递的内容。

     “同时，在感觉饥饿的设计媒体上，在设计比赛的评判中，在设计组织的政策方针里面，在设计界名人和代言人的言词里，甚至在设计教育系统的大范围里面，我们现在除了设计的商业化，几乎发现不了别的东西。除了那些设计能使你的生意更具竞争力之类的唠叨，在那么多的领域里面，你竟然很难发现一点强而有力的表达。我们必须不断提问：谁的喜好来决定（设计）和如何执行？谁从现实的构建中和自然状态的重现方式中获益？

    “设计师或者视觉工作者应该至少具备着以下两种定义：首先，我们都是社会的一分子，作为一个公民，作为一个对大堆商业形象的接受终端的头昏眼花的观察者；其次才是作为再现和表达的专业人士。如果单独来考虑，责任就是抵制说服技术的无限繁殖，因此设计师更具有双重责任。甚至在今天这种过度商品化的文化中，即使有盲点、曲解、压力、诱惑和疯狂，视觉传播者依然应该能够去发现运用设计的新途径。归根到底，这事关民主。急剧扩张的日常商业侵略使得对民主的坚持更为迫切。”

设计对文化应起到积极作用

     在我看来，这一切似乎离中国的现状还比较遥远，我们好像还需要在所有的行业全力推动设计和审美的概念。一切视觉语言都取决于受众，因此我们面临的问题更多的还是教育。问起Rick对中国设计的看法，他道歉说还没有去过中国，由于知之甚少，所以不能发表看法。但他提起了日本，认为日本是非常重要的一种设计分支。日本的设计师们干得不错，同时日本文化和艺术风格也带给了西方很多灵感。

     他只是希望中国的设计师们也能扩展自己的视野，透过令人迷惑的现状，来发现真正的创意与灵感。对于西方的东西，要在有文化背景的角度来考察，思考可能的关联，而不是照抄照搬。脱离了文化背景，再好的表达也是古怪的。

     同时Rick对设计师们有着更高的期望：作为传播的设计（designascommunication）是给予人必要的信息，作为促销的设计（designaspersuasion）是使人买东西。大量设计师的天赋和精力浪费在了广告的琐碎事物中，从汽水到减肥食品，而更重要的设计使命却被放在次要的位置上：街头指示、书籍期刊、教育援助等等。但是让设计师决定究竟该致力于社团项目、广告还是其他设计，这却是一个政治性的选择。设计并非是纯然中性、不具备价值观的过程。

     这个展览是40年来独立平面设计的回顾，那些作品对当代文化的影响已经非常大。Rick最后说，和他所推崇的著名设计师KenGarland所坚持的一样，他希望平面设计对文化的改变应该起着更积极的作用。