观点 | 写意画为什么难于发展？

写意绘画难于发展的原因何在

□钟章法

三、只有身心与大自然良好沟通，才能步入艺术创作的大门

中国画作为中国文化的组成部分，与西方艺术存在很大的差别。从作品的美感特征看，西方绘画侧重审美对象的物理形式属性，较为强调客观、再现、求真等因素，多追求外观的形式与视觉效果。而中国画秉承的是中国传统文化中最具代表性的“天人合一”的哲学审美思想，创作中注重人文精神的表现，注重客体与主体的融合，注重寻求一种主观之情与客观之景的和谐对应，以实现通过艺术的咏物言志、托物比兴，审美地彰显主体的情感和哲思。中国艺术家们确信，人心中所要抒发的情感，都可以在宇宙中找到相应的对象；通过恰当的艺术表现方式，可以使万物化为画面形象并赋予其精神内涵。最高的艺术必须要体现人格精神。最高的人格，乃与自然冥合无间。儒家所说“万物皆备于我”，及庄子的“天地与我并生，万物与我为一”等，都是指这一层意思。

中国传统艺术饱含了艺术的哲学，卓然成为世界最为深远、高远的一系。中国艺术歌颂自然，同时表现人格，绝不是客观的模仿与描绘，而是物性与人性的发现与统一。历代中国写意绘画的大家确实都是以人的精神思想、审美内涵表达作为艺术创作核心的。如徐渭经历人生失落不幸，才以大写意的笔墨表现“半生落魄已成翁，独立书斋啸晚风。笔底明珠无处卖，闲抛闲掷野藤中”的情怀，开了大写意的一代新风。八大山人亲历亡国亡家大痛，才会哭笑不得，才会“白眼看世界”。齐白石出自民间，来自农家，贵在有一颗“童心”。他对世俗下层社会常见的鱼蟹花鸟有一种特别的兴趣，以真性情去提炼笔墨表现力，终成一代大家。

而不少当代写意画有形式无意境，有笔墨缺精神；画家看似手在画，心思却不在画上，难以进入真正创作的状态。这与画家缺乏自己的思想和独特的情感体验有很大关系。首先，当代中国画家缺乏人生的历练，缺乏创作的激情。为什么蒋兆和在经历兵荒马乱时能创作出《流民图》这样的经典力作，而到中央美院任教后就再也看不到有震撼力的作品出现？其原因就是与艺术家身处的时代和社会环境有关。当代画家身处太平盛世，没有那种大起大落的苦难遭遇，长期处于比较安逸的生活环境中，体会不到人生的酸甜苦辣，内心深处也不会受到太大的触动，当然也就不会去反省人生、叩问人生，激发自我的真性情去与大自然沟通，也就无法进入属于自己的独特的“天人合一”的精神境界。也有不少画家善于依葫芦画瓢，将古人的、他人的艺术精神标榜为自己的艺术精神，根本没有自己的真性情、真体验。真正有创造性的艺术家，都有自己独立思考的角度、个性精神，也大多是从人生的艰难中走出，所创作品必然打上其独特的灵魂印记。所以说精神是艺术创作的主体，是作品的灵魂。淡化、忽视了主体精神去搞所谓的“艺术创造”，都只是在玩形式，是缺乏生命力的，都是无根之木、无源之水。

对中国画主体精神缺乏认识和把握，对写意绘画的发展缺乏使命感、责任感，对艺术创作缺乏挚爱与痴迷，就难于步入艺术创作的大门。缺乏精神内涵、缺乏思想情感的作品根本谈不上是写意绘画，更不要说发展写意绘画了。

四、缺乏自我精神的驾驭，笔墨语言的提炼难于找到突破口

作为承载精神内涵的“笔墨”，一旦失去精神，就会失去生命力，失去作为写意绘画的形式定位。千百年来的中国美术史证明，笔墨的价值在于承载人文精神的延续性，而传统精神涵盖着中国哲学和中国人文精神发展的文化根源。因此，写意绘画是以人的精神表达为目的的一种文化行为。创作中，艺术家抓住物象的内在本质，融入思想情感，发挥艺术想象，通过独特的笔墨语言、画面形象，阐发出丰富多元的精神内涵，给人以广阔的想象空间。反过来说，没有好的笔墨语言、艺术形式，人的思想内涵就难于表现。两者是缺一不可、相辅相成的关系。好的笔墨语言体现着笔墨精神，蕴含着作者的精神思想。在某种层面上，笔墨挥写所体现的精神内涵、独特的表现形式和个性化的笔墨语言，是构成作品有血有肉、有形有质又有精神内涵的关键。但笔墨与作品主体精神不能混为一谈。笔墨应该说是一种承载人文精神、思想情感、审美内涵的载体，是一种艺术形式、一种表达工具，是为精神内容服务的。正像我们有了精神思想的表达需要，才选用适合的文字去写文章、用不同的声韵格律去咏诗、用不同的音符节拍去作曲一样，所有的文化艺术都是相通的，都要先具备精神思想内容，再去选择表现方式、方法手段开展创作。

写意绘画要创新发展，就必须从表现自我的真性情中去寻找突破口。只有让自己的内心与大自然沟通，达到一种属于自己的精神思想境界，才会产生新的、独特的题材内容。然后从精神境界、题材内容的表现需要出发，去提炼符合自己精神思想审美内涵需要的笔墨表现语言。写意绘画的发展需要真正把握艺术创作的规律，以精神思想内涵为核心，沿着精神思想、笔墨语言合而为一这条融通大自然、人生、艺术规律的主线去开展创作。这才是真正的创新发展之路。

要指出的是，不是任何笔墨的表现都具有精神内涵。一般的点、线、面只是勾画出物象的形态，只能表现出物象的质感。只有在笔墨的表现中有一种概括力、包容量，给人一种不似之似、似像非像的联想、想象的空间，才算得上是具有精神内涵的好作品。在历代画家中，有不少人不是不用功、不努力，而是存在着力点不够正确，片面地在形式上、笔墨上用工夫，为笔墨而笔墨等现象。他们自始至终都没有搞清中国画创新的突破口在哪儿。画家很容易陷入笔墨精神就是中国画艺术精神的误区。如果把中国画艺术的主体精神抛在一边，一辈子只为笔墨而笔墨，其结果就是把自己锁在笔墨这个圈子里打转。为什么当前中国画缺乏精神内涵、写意绘画面临断代的危机？关键之一就在于不少画家将写意绘画中的精神内涵、思想灵魂与笔墨语言中的“精神内涵”混为一谈，致使在写意绘画的创作创新中找不到突破口。这是一个方面。

另一方面，写意技法的提炼难度也是写意绘画难于发展的一个因素。写意绘画的笔墨对普通人来说，好像是可以东抹西涂，随意搭上几笔便可，非常简单容易。其实，写意绘画的笔墨既是形式语言，又是审美内容，是画家人格力量与个性的反映，是画家一生长期探索实践的结晶。真正提炼出能承载独特的精神思想内涵，挥写出与前人不同，与今人也不同，让人耳目一新的笔墨新形式，可以说从古到今没有多少人能够做到。所以说写意绘画的笔墨创新与发展是非常需要深入研究与实践的。

五、评判标准模糊，真正有创造性的画家难于凸现

评奖导向偏差、评判标准模糊等是近些年美术界热议的话题。在当下的现实环境和艺术生态中，全国美展成为直接影响大部分画家往哪个方向走的风向标。为“冲奖”而专门揣摩评委的心理、审美角度，去精心打磨一幅作品，成为国家级大展中出现的一种较为普遍的现象；而走马观花式的评奖方式也会导致繁密丰富、精雕细琢、视觉冲击力大的作品给评委留下较深刻的“第一印象”（得奖的可能性也就更大）。写意绘画相比工笔画显得粗犷、随意。它需要对画面整体气韵、笔墨、意境的品读，需要观者通过想象、联想去品味其精神思想内涵和笔墨语言深度。这不是一眼就能看出来的。而且这种评选方式评出来的也仅仅是一幅画，不能体现出画家的整体艺术、学术水平。真正有内涵的创新，应从画家一生的作品中去体现，是系列性的，而不是精心打造、精雕细磨的一幅作品而已。有人戏言，以现在的方式送评齐白石、傅抱石的作品，连入展都困难，更不用说获奖了。这种评选机制，容易使真正有精神思想内涵、有笔墨、有创造性的写意绘画作品被拒之门外，不利于出画家，对于写意绘画的发展会起反作用。

从艺术舆论氛围看，我们这一代人有无创造，中国写意绘画有无发展，好像无关紧要；反而“慎提创新”“不提创新好”等观点大受追捧，甚至提倡创新、立足创新还成为被攻击的对象。人们关注的是官位、地位、价位，再加上社会媒体热衷于对“高端论坛”“最具潜力学术展”等的炒作，使得艺术圈鱼龙混杂，一些实际上没有什么创新的作品被吹嘘成中国画创新发展的“标杆”。这些也是直接影响写意绘画创新发展的因素。

一方面是写意绘画创作难、创新难、发展难，另一方面是艺术环境鱼龙混杂，真正能突破前人、有创造性的作品和画家不一定得到重视，容易被模糊的评判标准所埋没。难道中国画的优劣真的没有一种评判标准吗？我想作品有无突破、有无创新，只要是有一点水平的行内人都应该能分辨出来。如果连这么简单的事都没法搞清楚，那所谓的“专家学者”的权威性体现在哪里呢？我们这么大的国家，从事中国画创作的人才不计其数，而且从古到今，不管哪个时代，都有一些真正热爱艺术，把艺术创作作为人生追求的事业，为了艺术一直在奋斗的人，他们致力于别开生面、超越前人的写意绘画的研究与创作。关键问题还在于能否真正重视写意绘画的创新与发展，能否改变不客观的评判标准，实事求是，以实践作为检验真理的唯一标准，能否让真正有创造、有创新的作品和画家凸显出来，让人们看到写意绘画发展的亮点，并以此引导、激励中国画家真正投入到艺术创造中去。这些才是推动写意绘画发展的关键。鉴古知今，我们需要思考：如果没有徐悲鸿等一些权威艺术家不拘一格选人才的举措，也就没有齐白石、傅抱石、蒋兆和等写意绘画大师的出现，20世纪中国画也就没有如此的辉煌。

身处这样一个伟大时代的艺术家应该扪心自问：我们这一代人为中国画艺术发展做了什么？我们拿什么向前人、向社会、向这个时代交待？停滞不前不符合事物发展的规律。中国写意绘画还存在着突破、发展的巨大空间。中华民族是一个伟大的民族，具有巨大创造性的民族。如何去拯救、发展中华民族的国粹——中国写意绘画，是当代美术界和艺术家需要面对的严肃问题。（下）（来源：《中国书画报》国画版）