国画研究 | 创新是中国画发展的必然途径（上）

当前国家正在大力提倡“大众创业，万众创新”，希望将13亿勤劳、智慧的中国人民所蕴藏着的创新、创造潜能充分释放出来，成为推动中国经济社会发展的巨大动能。但当我们审视本来最应该弘扬创造、创新精神的美术界，却有一种冰火两重天的感觉。特别是在中国画领域，因袭守旧、模仿抄袭、千篇一律、千人一面等现象不同程度地存在。创作观念上，“创新”这个词在中国画创作中好像已黯然失色，反而“回归传统”“慎提创新”“不提创新好”等观点颇有市场。不少人认为中国画创新就是脱离传统，与传统唱反调，是在搞歪门邪道。还有一些人甚至干脆否定一切，认为“中国画创作一塌糊涂”；对一些真正有创造的作品与艺术家也一概否定，甚至加以攻击与谩骂。混乱的认识加上引导机制等的缺位与失灵，造成中国画领域作品优劣不分、对抄袭与创新缺乏价值区分，甚至有些人以继承传统为名，有意无意地把中国画的创新与传统对立起来，好像两者之间存在一条不可逾越的鸿沟。这种对中国画创新问题的扭曲乃至错误的认识，近年已愈演愈烈，似乎看不到改观的苗头。这给有志于创新、坚持创新的画家们造成了心理上的困惑，也对中国画的创作与发展产生了非常严重的误导。这一问题已到了应该引起美术界深刻反省与重视的时候了。我们应该剖析乱象的症结所在，找出问题的根源；遵循艺术规律，实事求是，分清是非；真正地正本清源，重新树立创新观，提高画家的创新意识和能力，为中国画的发展做出应有的贡献。我认为，这是迫在眉睫，需要所有关心中国画艺术发展的人士去思考并付诸实际行动的事情。 一、创新在当今美术界为什么会黯然失色 绘画艺术创新，就是以新的思维与方式，创作出与前人不同，独具个性特色，具有新的内容意境、笔墨语言等的作品。在中国画的发展历程中，历代名家都以其独特的艺术创新，为中国画的发展增添了新的元素，谱写了新的篇章。而我们现在要反思的是，为什么在当今的美术界，创新之光会黯然失色呢？ 首先，对中国画艺术本质和特征的认识正确与否，直接影响着中国画的创新与发展。“重传承，轻创新”是中国画发展过程中存在的一种陋习。在不少人心目中，中国画只是一种修身养性、陶冶情操的活动，或是一种随心所欲、轻松高雅的娱乐。特别是山水、花鸟画，千百年前就已圆融化解了物质与精神、客观与主观的矛盾，建立了和谐统一的中国画哲学，并形成了一套比较完整的固定模式。人们不需要耗费太多精力，就可以描绘出雅俗共赏、喜闻乐见的作品。很少有人把绘画作为一门非常严肃，需要花费一生的身心投入，还不一定能见成就的学问和事业来对待。中国画的欣赏与评价也同样形成了一种定式。人们习惯于接受传统的作品形式，对那些真正有创新、别具风格与特色的作品，难能人人都喜欢、个个都读懂。甚至一些与传统形式不同、具有创新性质的作品，很容易被认为是歪门邪道。这在中外艺术界都有类似的例子：西方“印象派”马奈、莫奈的作品，多次被评审团拒之沙龙展览之外，还遭到很多人的否定与抨击；新中国成立前，齐白石的作品也不被普遍认可，甚至被人看不起。所以真正有创新、有学术价值的作品，往往在当时不一定被看好。“阳春之曲，和者必寡”，是有一定道理的。 其次，缺乏对艺术创新问题的深入研究，也是造成一些人对创新不够理解，从而阻碍中国画发展的一个重要因素。当代画家不像古代画家那样，集理论和实践于一身，许多绘画理论都出自画家的创作实践和思考之中。知行合一，理论与实践相结合，对绘画问题的探讨更具针对性，更有学术价值、指导价值。当今美术家大多出于科班。而当代美术院校分科过细，搞理论的缺乏实践经验，搞创作的又缺乏理论修养，造成了理论与实践的严重分离与隔阂，难能培养出既有理论修养，又有创作实践的艺术家，导致什么是传统、什么是创新、如何在传统的基础上去创新等问题，都长期处在模糊不清的状态之中，缺乏明确的、有说服力的观点的引导。报刊上谈印章、谈笔墨，谈一些已经出名的大师级别画家的所谓“研究性”文章多，而谈创新，并能兼具实践经验和理论提升的文章少。正如陈履生先生所言：“总结几十年的绘画理论，并没有给中国画发展指出一条合乎于其发展规律的道路。相反，理论的混乱，造成了实践的盲动。” 再次，对创新人才和创新成果激励机制的欠缺，也是阻碍中国画发展的一个原因。真正的艺术创新，是一项非常复杂而艰难的工作，不是每一个画家都有条件、有能力去投入创新的。因为创新需要三个起码的条件——文化、技术、悟性。它们相辅相成，缺一不可。通俗点讲，也就是你读书再多，文化程度再高，也不一定能成为一个有创新能力的画家。你在技术上再下苦功、再磨炼，也不一定能出创新成果。因为技术是为精神思想服务的，若体悟不到物质与精神的关系、人生与艺术的关系，就等于还没能理解艺术创作的深层奥秘，还是个“门外汉”。 与前人相比，当代人物画在人物造型、题材内容、笔墨语言、表现方式等方面已有所提高和发展。这是不可否定的。而就山水、花鸟画而言，要创新，就必须在前人忽视或没有表现和研究到位的问题上做文章。只有在此基础上创作出来的作品，才可能与前人在某些方面有所不同，才会有一定的艺术价值和实质意义。这种有创意的作品能引起学术界专家们的关注与肯定，同样也能得到大多数人的赞同，但也容易引起少数守旧派和对艺术缺乏真正认识人士的“不舒服”“不顺眼”，甚至会遭到莫须有的污蔑和抨击。纵观古今中外大多数创新型的画家，在当时往往都没有什么社会地位，而且个性比较强。他们多以自己的立场、角度去看问题、搞创作，喜欢特立独行，可以说是艺术上的强者；但正因为个性强，不会去随波逐流、迎合社会、刻意经营自己，所以往往又是社会群体中的弱者。在世俗社会中，人们普遍关注的是画家的地位、作品的价位。光靠艺术，就算再有创造，再艰苦奋斗，再有成就——因为艺术成果不像科学发明，有一个明确的衡量标准——其艺术创新成果也不一定能得到真正的理解。所以这样的画家容易被看成是一个狂傲的、不守本分的人，也是一个容易被歧视、被攻击的对象。这在中外艺术家中都有先例。 其实大部分画家都十分清楚创新有多么艰难。真正用创新取得成功的画家历代以来又有多少！那种必须花费一生精力去奋斗，且成功可能性又相对小的工作，有多少人会真正地去做呢？特别是在当今市场经济，艺术作品商品化，艺术被作为挣钱工具过分操作，而且连作品是抄袭还是创新更有价值都模糊不清，缺少一个评判标准的现实状况下，摆在当代画家面前只有两条路可以选择：是心甘情愿去为艺术创新与发展奋斗一生，还是重现实、走捷径，以个人的利益为中心？这是生活在这个现实世界里的每个画家都不得不去思考的问题。可能正是由于当今大多数画家在选择上的“理性”所致，抄袭与创新、传统与创新、艺术创作需不需要创新这些问题好像并不重要了。前辈大师们的坚持创新、倡导创新，逐渐变成当今的“慎提创新”“不提创新好”。先前敬仰、推崇的是创新、创造，如今创新、创造反被地位、价位所取代。所以“创新”这条艺术发展的必然途径得不到真正的关注而黯然失色，也就在情理之中了。 二、没有创新，哪来的传统 继承传统，从传统中来，有其重要的意义。它能使后人站在前人的肩膀上看得更远，对艺术创作也会更有把握、更加成熟。但也不是所有的传统都是完美无缺的。如果不加以分析、思考、甄别，盲目继承，就容易踏进传统的泥淖里，永远走不出传统的藩篱。特别是对艺术创作的本质和价值缺乏正确的认识，不能准确把握艺术来源于人类情感的深层体验、来源于个体生命对客观自然万物的深彻感悟等规律，就会出现从传统旧有形式中抄袭、复制的现象，与艺术创作和发展的规律背道而驰。 现实存在的情况是，往往高喊回归传统的人不一定对传统有真正的认识。其实，真正的传统是靠一代代艺术家的创造积累起来的。纵观美术史，那些留下印记的名家，往往不是因为他们有多高的地位，而是由于他们在艺术中的某些因素超过或突破了前人，有了新的创造，推动了艺术的发展。如清代的八大、石涛、“扬州八怪”，近现代的吴昌硕、齐白石、李可染等，都以力推创新、践行创新而名垂千古、影响深远。没有先辈大师的创新，哪来中国画的精深与辉煌？昨天的创新是今天的传统，今天的创新又将会是明天的传统。传统不可能与真正的创新对立，而应该是由昨天经由今天而进入未来的前浪与后浪。传统与创新的相辅相成，符合事物发展的规律。中国画如果没有创新，停滞在原有的形式上，不能给美术史增添新的篇章，哪里还会产生新的传统呢？

来源：《中国书画报》